娱乐性和古典音乐的分离趋势肇始于十九世纪早期，这种分离直至二十世纪中叶达到顶峰。甚至有了“严肃音乐”（Ernstmusik）和“娱乐音乐”（Unterhaltungsmusik），这两个截然不同、彼此邗格的范畴。不过，大趋势下也有不少支流，譬如喜歌剧轻歌剧、炫技派名家的小品都相当注重娱乐性，但在音乐正史中遭到贬抑。所以，轻歌剧作曲家和炫技名家们往往渴望写作正剧（如奥芬巴赫）或演奏经典曲目，来证明自身的“严肃”价值。到了二十世纪初，一股潜流异军突起，从根本上动摇了“严肃音乐”和“娱乐音乐”之间的篱墙，那就是从马勒开始，着手将音乐生活中不同层面的元素，统合入“严肃音乐”最纯正的表达形式――交响曲。这一传统被苏俄的肖斯塔科维奇接手，直到施尼特凯创造出“复合风格”这一概念，娱乐性元素被“严肃”地运用，或者早先的严肃音乐在大众传播中“沦为”庸俗和娱乐式的变形。同时，一大批作曲家也堂而皇之地从娱乐音乐中汲取营养，如魏尔、萨蒂、格什温、科普兰、普朗克，一时蔚为大观。这种对音乐生活中不同层面元素的自觉意识和混合使用，或许来自于大众传媒的压力，透过广播电视，各种层面的音乐回荡在个人居室、以及公车、咖啡馆、街头、广场、酒店大堂，几乎无处不在。
回味06年现场聆听的音乐会，国王歌手（King’s Singer）11月底在上海的音乐会，堪称本年度最具娱乐性的古典演出。他们虽然以“国王”命名，但曲目选择和演绎极具民间色彩，虽然中间也掺杂有无伴奏合唱（a cappella）的教堂音乐，但最富于生趣的却是他们所唱的西班牙、法国、英国的民谣，同时以嬉闹风格改编古典曲目。譬如此次演出的《塞维利亚理发师》序曲，罗西尼音乐中的喜剧感仍然囿于传统乐队表现格式，而国王歌手加以口技、形体等夸张猛料，硬是把宴席美点烤成了街头小吃，求的不是悠长回味，而是鲜辣口感。等到他们加演流行金曲，更是如鱼得水。国王歌手的“a cappella”说是缘于教堂合唱传统，其实更多从上世纪初西方广播电视上直播的广告合唱组中得益良多（法国动画片中的《美丽城三重唱》就是典型），他们在短短的广告直播时段中以逗趣的宣传歌词和夸张形体，卖力出演，后来培育出流行乐领域多种人声合唱和伴唱形式（Swingle合唱组就脱胎于此渊源）。在大众媒体未形成之前，这类广告合唱组多在集市和广场表演和叫卖。以此观之，“国王”歌手实在应该改名为“集市”歌手才是。他们最后加演的《上海滩》主题曲和《月亮代表我的心》，编曲和演出虽毫无特异，但却堪称搔到痒处的绝妙之选，一上手就触摸到本地听众的挑情敏感点，这种能力是一个娱乐型演唱组的必备素质。
国王歌手的娱乐性也体现在他们和媒介的关系之中。从现场音乐会来看，他们的演唱方式和风格并不适合上海音乐厅。十九世纪形成的大型经典音乐表演场所要求表演者“热性十足”，音乐要有感召力和穿透力，并明显带上礼拜的仪式等级感。国王歌手的总体风格是平民化，轻盈嬉戏，为求得声部和谐，他们只能降低音量，偏“冷”和不经意，和经典音乐的聚焦恰成两极。所以现场听国王，大部分时间里不太令人满足，他们应该去小型剧场、或是露天带电声扩音的舞台。正襟危坐想要聆听严肃音乐的听众当然会大失所望，娱乐音乐需要的是观众参与和共舞，歌星只在专辑唱片中才对单个听者展现才艺，现场是电子媒介产品――唱片的促销活动，是群体对偶像的崇拜。而严肃音乐恰恰相反，唱片只是一个扁平的、信息量较少的拷贝，真正领受“神恩”则是在现场。国王歌手从这个角度也更接近流行领域，他们录制的唱片效果远远超过现场，此次上海音乐会也算是一个对其唱片的促销吧。
